Des gestes et expressions sont attachés aux représentations de l’homme que les artistes nous donnent. empruntés au quotidien ou issus de la tradition iconographique, ils sont porteurs de sens que cet ouvrage se propose d’éclairer, afin de décrypter les situations décrites par les œuvres, la symbolique particulière liée à certains gestes, l’état d’esprit, voire le tempérament ou la santé mentale des personnages représentés.
ainsi les artistes du moyen âge, en jouant sur les différences d’échelle entre les personnages, sur la position de leurs mains, bras et pieds, ont voulu définir les rôles sociaux et les dégrés de moralité des actes reproduits dans l’image. en caractérisant certaines figures, ils offrent un récit non verbal qui permet à chacun de comprendre les circonstances présentées : l’être hirsute et grimaçant sculpté sur les chapiteaux est à n’en pas douter le diable, celui dont il saisit les chevilles est à coup sûr un damné. sacrée ou profane, cette iconographie, bien souvent héritière de l’antiquité, évoluera au fil des siècles.
au cours de l’histoire de l’art, c’est ainsi à travers une suite ininterrompue de legs et de trouvailles, que les artistes vont s’efforcer, selon léonard de vinci, de reproduire les « mouvements de l’âme » et les « affects » de la nature humaine. le corps, ses parties et surtout son aspect sont révélateurs d’un monde et de sa pensée : ainsi l’entend la physiognomonie, science qui établit des correspondances entre physionomie et caractère et dont s’inspireront aussi bien le brun que lavater. plus moralistes, les caricaturistes exagèrent ou ridiculisent les traits physiques à proportion qu’ils posent un œil critique sur leur société. de son côté, la psychiatrie naissante constitue avec le concours des artistes et, avant l’exploitation de la photographie, l’iconographie de l’aliénation mentale. le xx^e  siècle, enfin, s’attaque à la physionomie, pour la restituer dans le fracas que la psychanalyse a provoqué.